长江日报记者黄亚婷

在中国影评领域，几乎无人不知周黎明。他毕业于美国加州伯克利大学，获MBA学位，常年撰写中英文专栏，在影评人身份之外，他还是双语作家、文化评论人，已出版二十余种著作，其中包括三种英文著作。这些年，周黎明也活跃于上海国际电影节、乌镇戏剧节等国内重大文化节，担任评委、嘉宾或主持，并在各大论坛、活动中与史蒂芬·斯皮尔伯格、李安等世界级电影人对话。近期，中国工人出版社出版了周黎明的最新著作《一秒24格》，长江日报读＋周刊对他进行了专访。

网络时代，影评的精英色彩被逐步消解

电影是什么？《一秒24格》的封面写道：电影是每秒24格的真实，电影是每秒24格的谎言。一秒24格，即以每秒24张的速度播放图片，人眼在视觉上会感到原本静止的画面运动起来，这是电影“活”起来的技术基础。去年，李安导演在《比利·林恩的中场战事》中试图使用一秒120格进行拍摄，名导配新技术，关注度极高，但结果不尽如人意，一秒24格仍是当今时代电影的绝对主流。

在本书前言，周黎明做了一个假设，“假设你出生在150年前，电影就不可能是你的最高理想，因为那时还没有电影……再假设你是150年后的人，到时有没有电影就很难说了。即便有，彼时的时尚青年大概不会追捧，因为属于古老的东西，只能吸引文化考古学者了。”在他看来，电影的名利以及其他效应，源自它的受众规模。但电影和19世纪初的诗歌、19世纪中后叶的长篇小说一样，都是时代催生的最流行文艺形式。他并大胆假设，“哪一天虚拟现实的技术彻底成熟了，电影就不再是用来看和听，而是用来全身心体验了。到那时，电影恐怕也不会再叫做‘电影’了。”

因受众广大而繁荣，电影产生之时，电影评论相伴而生。周黎明接受长江日报采访时说，“影评是电影的附属品，它是观众反馈的一种集大成代表。在网络时代，全民影评不再遥不可及，影评的精英色彩被逐步消解，众多影评汇聚成口碑，而口碑对市场的推动越来越明显。在健康的环境里，创作和评论应该保持良性的互动；但互相diss（网络流行语，意同“鄙视”）也不能说毫无价值，关键是，有没有真知灼见。电影创作和电影评论都不是解数学题，通常不会有标准答案。尽管两者处于电影行业食物链的两端，但可以遥相呼应。”

前不久，贾樟柯导演发起创立的平遥电影节举办了一期“李沧东大师班”，其间有一件趣事在影迷圈流传，一位影迷问影片《燃烧》的某一镜头是否有某种深意，结果导演李沧东答并没有这样想。这种现象在电影界颇具代表性，观影者与创作者所思所想并不相同实属常态，大导演王家卫常常泡在豆瓣电影，看网友们如何解读他的作品，据说他还常常后知后觉：原来还可以这样看！

在周黎明看来，影评可以有自己的解读，不必追求与创作者想法一致，“《大话西游》的哲学涵义都是影迷解读出来的，周星驰从不佯装有此高深意图。《三峡好人》中有两处超现实的细节，我的解读要比贾樟柯导演本人的原意更‘深刻’，但他觉得我的诠释是有趣的。”影评发生解读偏差，周黎明认为这里面有两种可能性，“一是评论者发掘出了创作者的潜意识，即创作者并未刻意隐藏彩蛋，但他潜意识中有隐隐的思绪，被敏感的影评人捕捉到了；另一种情况是创作者潜意识中都没有这个意思，完全是评论者自嗨，过度诠释。一些刚刚涉足文艺评论、电影评论的人，往往会错把文艺作品当作谜语。”

知道好莱坞和宝莱坞，那你知道“瑙莱坞”吗？

《一秒24格》的上篇名曰“关灯，看电影”，是周黎明对近几年公映影片的具体评论，包括《爱乐之城》《爆裂鼓手》《海边的曼彻斯特》《逃出绝命镇》《敦刻尔克》《让子弹飞》《白日焰火》等。

周黎明在2002年开始大量发布影评时，在当时被看成是背叛学院派的草根阶层，但读他的影评，字里行间都带有知识分子的严谨和审美，他只是不学究气。他把去年的奥斯卡最佳导演得奖影片《爱乐之城》称为“一曲好莱坞的自恋恋歌”，把柏林金熊奖得主《白日焰火》视作“中国黑色电影新尝试”。在他看来，“正如每个电影人有自己的题材偏好和风格追求，每个影评人也会受到自己教育、熏陶、人生经历的影响。我算是有比较扎实的学术训练，后来又常年供职于大众媒体，所以慢慢形成了自己的写作风格。其实我也想尝试用当今自媒体的文风，我甚至尝试过用小说体裁来写影评，但读者最接受的，依然是我现在的风格。”

网络时代，花样影评迭出，近年也很流行宣泄式的评论，情绪大于内容。但周黎明认为，“光是说‘好’或‘烂’，那不叫评论。评论需要自圆其说，要有论证，说明这部影片好在哪里，烂在哪里。当然，这是主观判断，无所谓对错，也不需要印证多数人的观点。豆瓣等平台有成千上百的影评，有些很俏皮，但不是评论；有些既有犀利、幽默的文风，同时也是很好的评论，只是它们没有采用传统的议论文格式罢了。”

《一秒24格》的下篇名曰“黎明，看电影”，是周黎明对电影行业现象的一些观察，这种观察既包括对中国电影市场的观察，也有对全球电影市场的审视，比如分析迪士尼大“IP”的养成，美国制造超级英雄，还介绍了以及澳大利亚电影、巴西电影，以及好莱坞、宝莱坞之外的“瑙莱坞”——尼日利亚电影等等。令人意外的是，根据联合国教科文组织2009年的一份报告，早在2006年，地处非洲的尼日利亚已经成为世界第二大电影生产国（根据电影数量计算，世界第一是宝莱坞而非好莱坞）。这对于电影爱好者来说，实在是拓展视野的一个好窗口。

在为新书《一秒24格》写感想时，周黎明说职业影评人若想日子越来越好过，就应该寄希望于电影业越来越繁荣。如今的中国电影市场是否可以用“繁荣”来定义？他回答：“学术评论不需要依赖电影的大众化，但大众评论（包括主流媒体以及日益蓬勃的网络平台）则离不开电影业的繁荣。如果看电影的人只有现在的百分之一，那么，电影评论也会变得非常小众。诚然，市场繁荣并不等于影片质量的提高。“我之前在采访中说过现在是电影的最好时期，那自然是指票房和商业前景；如果纯讲艺术水准，上世纪90年代的两三年间，密集产生了一大批伟大的作品，让我们望尘莫及。理想的状态，电影的产量和质量应该平头并进，但现实总是骨感的，有了市场，再慢慢朝着艺术高地挺进，也算是一种策略吧。”

周黎明点评当下电影市场

好莱坞最擅长的科技魔幻似乎遇上了瓶颈

问：您一直都对好莱坞非常有研究，这几年好莱坞在国内市场少有现象级爆款，这是为何？

周黎明：好莱坞电影慢慢被国产片超越，我是指爆款影片，这一方面是好莱坞被自己的成功所绑架，裹足不前，不停推出大同小异的超级英雄影片，导致观众的新鲜感被迅速消磨，因此，大量好莱坞大片只能保持五亿元票房左右的体量；另一方面，中国三四线城市电影市场的崛起，明显更偏爱接地气的国产片，尤其是好莱坞无法抗衡的中国喜剧片和军事动作片。

还有一个原因，几个最重要的档期如春节档和暑期档，对好莱坞产品是有限制的，比如把最热门的好莱坞大片从七月中旬推迟到八月底，肯定会降低其市场威力。

好莱坞电影不可能接中国地气，因为它是为全球生产的，不得不磨平棱角，选取最大公约数；况且，好莱坞最擅长的数字科技营造的魔幻和动作场景，似乎发展到了一个瓶颈。当镜头无所不能时，还有什么东西可以刺激观众的想象力呢？

装嫩或者倚老卖老都是不受欢迎的

问：张艺谋、陈凯歌、姜文等老一批导演也不断在拍新片，但接受度却不如以往，怎么看待他们如今的影响力及影界地位？

周黎明：你不能指望这些资深的、大师级别的影人永远处于潮流的最前沿。如果他们的影片里充满最新网语，那反而是一种低级迎合。到他们这个年龄和创作阶段，理应表现出更多的醇厚，更多的思索，更多的深度。锐气、闯劲、时尚，这些长处应该表现在年轻一代电影人的身上。

应该说，冯小刚的《芳华》、陈凯歌的《妖猫传》、姜文的《邪不压正》、张艺谋的《影》，都是拿得出手的作品，未必人见人爱，但跟他们的艺术成就及人生积淀是相符的。纵观影史，老导演的作品都是在服老的基础上创作的，并将年龄的“老”酿成久久不散的艺术醇香；装嫩或者倚老卖老都是不受欢迎的。

至于商业上的成败，每部作品的命运不同。在好莱坞，老导演连砸几部片，通常就得回家养老了；但在咱们这个敬老的文化里，即便把好几个电影公司都搞破产了，依然会有投资人前赴后继，飞蛾扑火，冲着当年的情怀继续给他们拍片机会。

《无双》等少数影片成功很难说港片“回潮”

问：近期《无双》的火热让人们讨论起港产类型片“回潮”，其实去年的《追龙》也有些许这个意思。您怎么看这股“回潮”？

周黎明：少数影片的成功很难说构成了一个趋势。港片的兴衰是有很多原因的，其中的历史和社会原因是不可逆转的。但港味本身绝对可以成为一种特色，一个卖点，正如其他地域性也能为中国电影增添光彩，比如东北的喜剧、上海的繁华等等。内地市场的开放，对香港电影人是难以抵挡的诱惑，但在他们放弃本地特色、拥抱全国市场时，有些取舍实属双刃剑。

假设《追龙》和《无双》的故事被允许设在内地，影片依然会取得不错的成绩，正如《茶馆》不会因为故事搬到其他城市而丧失其内在的文学性和思想性。港味是锦上添花的东西，从上世纪90年代就为全国影迷所喜爱，但光有港味而没有质量，搁到任何时期都不会受到大众市场的接纳。